Art - Festitalia Hamilton

Arte

Autenticamente italiano… La bellezza dell'arte

Questa mostra d'arte è stata organizzata da Padre Francesco Cucchi con oggetti d'arte provenienti da collezioni private.

Immergiti nella bellezza delle opere artigianali italiane che sono state create da artisti noti, poco conosciuti e in alcuni casi sconosciuti.

La mostra presenta opere d'arte in stile italiano del XVI secolo^tha 20^thsecolo.

Coppia di placche con Natività e Sacra Famiglia con Giovanni Battista

Queste targhe sono un tipico esempio di opera d'arte della fine del XVI secolo raffigurante uno stile abbastanza semplice; tuttavia, sono state utilizzate tecniche complesse. In effetti, c'è una fusione con il bronzo, dopodiché l'artista ha affinato il suo lavoro, scolpendo il metallo per evolvere le persone, i loro capelli, i paramenti, gli edifici e ogni dettaglio della scena. In due modi diversi, l'autore ha cercato di mostrare la prospettiva, disegnando gli edifici e lo sfondo, e mantenendo il personaggio principale con la fusione lontano dalla superficie principale. Dal lato posteriore, si può capire perché sono stati creati questi stampi.

Queste targhe erano progettate per devozione personale e qualcosa che le persone potevano acquistare nel negozio di argentieri. L'oro sulla superficie era fissato con un vecchio sistema: l'autore aggiungeva oro vero al mercurio, e dipingeva il bronzo, dopodiché lo cuoceva in forno. Durante questo processo, il mercurio se ne andò come gas e l'oro si attaccò fortemente al bronzo. Le belle cornici sono state realizzate nel XIX secolo e queste targhe sono in ottime condizioni con l'oro originale.

Secchiello per acqua santa

Questo piccolo secchio è composto da un manico realizzato con fusione d'argento utilizzando uno stampo; e solo successivamente raffinato, e il corpo di questo oggetto è realizzato con una lamina d'argento. La grande importanza di questo secchiello è legata alla tecnica utilizzata dall'argentiere. Ha realizzato il corpo lavorando solo con una lamina d'argento, molto sottile, ed è stato in grado di produrre un oggetto decorativo così significativo.

Il segreto della tecnica stava nel mantenere molto caldo il fioretto e non metterlo in campo. La decorazione è realizzata scolpendo la lamina dopo il lavoro con la pece. Il motivo di questa decorazione è con fiori e foglie. Nella maniglia si nota il marchio d'argento di Venezia (Leone in moleca, e dell'argentiere (Z) probabilmente l'iniziale del suo cognome.

PACE (ICONA DELLA PACE)

Questo è un piccolo rilievo noto per esistere in diverse versioni e in molti materiali, ed è chiamato "Ritmo".Molte volte, l'argomento è una deposizione di Cristo, ma questa"Ritmo"ha la Vergine Maria seduta come una materfamilia romana (una donna capofamiglia o famiglia) su una sedia che tiene il bambino Gesù e circondata da San Rocco, San Marco e angeli musicanti. La Vergine è rappresentata in un'abside di un edificio architettonico classico.

In alto, timpano o lunetta con Gesù risorto che risorge dal sepolcro e soldati addormentati. Tutto il rilievo è decorato con elementi classici abbastanza comuni nel Rinascimento, come i mascheroni veneti (maschera veneziana), i festoni di frutta e la sirena bicaudale (sirene a due code).

Questo rilievo in bronzo è dorato con una tecnica chiamata "mescola" perché hanno usato un elemento simile per incollare per attaccare foglie d'oro sul bronzo. Questo "Ritmo" era usato come oggetto liturgico durante la celebrazione della Messa, e le persone usavano invece baciare questo rilievo come segno di pace. La presenza della Vergine Maria, e di un santo specifico come San Rocco e San Marco, ci suggerisce che questi erano i santi patroni della comunità in cui questo "Ritmo"ha origine da. In questo rilievo si possono vedere le influenze dell'inizio del Rinascimento: utilizzando decorazioni classiche romane, nella stessa scelta della struttura architettonica di un minuscolo tempio, e nella posizione della Vergine Maria. Si tratta infatti di un oggetto di altissima qualità, realizzato su misura su richiesta della chiesa che aveva questi santi come patroni. Si tratta di una fusione da uno stampo, probabilmente a cera persa, e successivamente scolpito e rifinito nei minimi dettagli.

Bastone o doglock per snaphance (parte del meccanismo dell'arma da fuoco)

Si tratta di una parte di un fucile da caccia probabilmente realizzato all'inizio del XVII secolo. Un "doglock" è un tipo di lucchetto per armi da fuoco che ha preceduto il "vero" blocco a pietra focaia in fucili, moschetti e pistole. Questo tipo di serratura non aveva una posizione di caricamento interna a mezzo gallo come conteneva il successivo meccanismo a pietra focaia. Per caricare un'arma da fuoco con un doglock, il rubinetto della pistola è stato assicurato con il cane esterno, impedendogli di spostarsi in avanti per colpire il crespo e iniziare la sequenza di spari. L'utente può quindi caricare in sicurezza il moschetto o la pistola. Per sparare, il gallo è stato spostato nella posizione di gallo pieno, il che ha fatto cadere il cane all'indietro e non ha più impedito al blocco di sparare.

Questa piccola pace di ferro è una vera scultura, ed è tutta decorata con animali mitologici e volti umani. È un'opera d'arte particolarmente importante e l'autore era un artista particolarmente bravo. Anche questo doglock è solo una parte di una pistola, possiamo solo immaginare quanto possa essere sorprendente tutto questo fucile. C'è solo il pedaggio in alto senza decorazioni. I due piatti che tengono la pietra focaia sono incisi con piume e testa di anatre o qualcosa di simile a un animale selvatico. Il personaggio principale inciso nel doglock è un cavallo che sta in piedi su teste umanoidi. Lo stile della decorazione è ancora gotico, ma è importante ricordare che nel lavoro artistico gli stili sono rimasti gli stessi per molti anni dopo. La tecnica per incidere questo doglock è ovviamente la stessa usata per decorare le armature.

Calice Veneziano

Questo è un calice particolarmente importante, ed è stato realizzato nella città sotto il controllo di Venezia. È un ottimo esempio di oggetto liturgico del periodo successivo al barocco. Lo stile è ancora molto simile al barocco: cherubini, il motivo con uva e spighe di grano, foglie di acanto e fragola. L'argentiere, che ha realizzato questo calice, è rappresentato dal marchio d'argento [GT], e si chiamava Giovanni Tonoli che lavorava nella bottega chiamata “Spirito Santo”. Vi lavorò dopo il 1750, e poi questo calice fu realizzato nella seconda metà del XVIII secolo.

Si può vedere come Tonoli stava facendo la goffratura della lamina d'argento. Il calice ha un piede saldato al corpo di esso progettato come un elemento architettonico, e in alto uno strumento ha unito la coppa alla parte principale. Lo sbalzo è realizzato, come faceva un grande argentiere, mantenendo morbido l'argento usando pece calda. La coppa è dorata solo all'interno, e per una minuscola corona all'esterno (perché il sacerdote beveva attaccando le labbra) con un'antica tecnica che aggiungeva al mercurio foglie d'oro vero, e si scalda in forno. Durante questo processo, l'oro attaccato all'argento e il mercurio evaporarono come gas pericoloso. Si può dire che questo calice non sia un normale oggetto prodotto ma un capolavoro creato da un famoso argentiere.

ADAM E EVE

Queste statue, o è meglio chiamarle cariatidi (figure scolpite che fungono da supporto architettonico al posto di colonne o pilastri), facevano parte di un mobile in noce di una sacrestia. La stessa parola “sacrestia” significa posto sacro, e infatti in questo mobile erano conservati tutti gli oggetti liturgici chiamati “vasi sacri”, e paramenti usati per riti sacri. Questi importanti oggetti e paramenti dovevano essere contenuti in mobili molto eleganti e realizzati nel miglior legno possibile, solitamente il noce.

Per sottolineare l'importanza di una sacrestia, e di questi tipi di mobili, molti erano decorati con cariatidi, sculture o intarsiati con diversi tipi di legni creati come un dipinto. Queste statue rappresentano Adamo ed Eva, entrambi nudi e ricoperti da due foglie. I volti di questi personaggi sono definiti in dettaglio: una lunga barba e baffi, e un viso non giovane per Adam; capelli lunghi e un viso semplice con occhi profondi e un naso lungo per Eva.

Lo scultore non era un normale artigiano, ma qualcuno che era in grado di vedere o studiare la scultura classica nello stile artistico rinascimentale di Michelangelo. In effetti, uno dei dettagli veramente chiari per ogni corpo è la presenza di muscoli, sulle gambe e sul corpo. Entrambe le statue furono scolpite nel XVI secolo, ma probabilmente alla fine del secolo perché seguono lo stile del primo Rinascimento, e nelle opere d'arte questo stile arrivò più tardi ma rimase più a lungo.

Martello e Cazzuola per Porta Santa

Questa coppia di oggetti ha una storia molto interessante, e anche se se ne sta guardando una replica, è interessante parlarne. L'artista era una persona molto interessante, scultore, artista, conio e attore. Amerigo Tot (1909-1984), di origine ungherese, faceva parte del Bauhaus un gruppo di artisti tedeschi, ma visse molti anni in Italia ea Roma dove morì. Gli piaceva essere un attore nei film e in Il Padrino II, è stato ritratto come una guardia del corpo per il personaggio di Al Pacino mentre era a Cuba.

Questo uomo interessante era un meraviglioso designer di monete per la Città del Vaticano, e ha realizzato molte sculture, e tra tutte le sue produzioni ha creato l'originale Martello e cazzuolaper il San Papa Paolo VI da utilizzare per l'apertura della Porta Santa. Tutti gli impiegati della Basilica di San Pietro e della Fabbrica di San Pietro hanno voluto offrire questi strumenti al grande Papa bresciano. L'artista poliedrico ha voluto prendere la forma reale delle mani di San Paolo VI per personalizzare gli strumenti, e infatti vediamo l'impronta delle sue mani nel manico. Gli originali si trovano nel Museo del Tesoro della Basilica di San Pietro, e nel 2014 ho preparato una mostra per la beatificazione di Papa Paolo VI incorporando l'originale.

Il tema del martello è la Passione, e si possono vedere nella testa dei chiodi del martello, come nella croce, al centro ci sono quattro medaglioni con i simboli dell'Evangelista, e queste monete sono in oro massiccio sugli originali. Sul cazzuola, possiamo vedere una grande moneta sulla spatola con due pellegrini che ricordano il pellegrinaggio per l'Anno Santo 1975. In entrambi i manici si può notare la forma delle mani del Papa Paolo VI, ed entrambi gli oggetti terminano con una moneta d'oro con il stemma di questo papa.

In questa replica, il materiale è bronzo, ma negli originali entrambi sono realizzati in argento, con l'aggiunta di molte monete d'oro. Sempre sul corpo di entrambi è visibile il marchio d'argento di Amerigo Tot [Tot] e la frase in lingua latina che ricorda il Giubileo.

Parte di una borsa da opera

Questa è la parte superiore di un'elegante borsa, che sarebbe stata utilizzata per assistere all'opera. In effetti, in cima alla pochette, si possono vedere un cantante uomo e una musicista donna in una stanza elegante. Intorno alla parte inferiore del bordo di questa pochette, ci sono molti piccoli fori, dove sarebbe stato attaccato il corpo della borsa. Di solito, questo tipo di borsa di alta classe è stata realizzata sia con tessuto intrecciato con argento che assembla tante piccole catene d'argento.

Questa parte della borsa è abbastanza semplice in quanto l'artigiano ha messo insieme gli stessi due pezzi progettati, dallo stesso stampo. Il design è influenzato dall'età barocca ma è considerato un lavoro industriale / artigianale in quanto l'artista ha rifinito il prodotto dallo stampo, ma non più che pulirlo. Questo pezzo è importante non per l'opera d'arte, o la tecnica utilizzata per realizzarla, ma per evidenziare il tipo di accessorio dell'alta società utilizzato in Italia per assistere a un concerto.

Croce processionale

Questa croce processionale veniva usata durante le processioni liturgiche, e durante la Messa. Infatti, in passato, molte volte la Messa veniva celebrata solo nella chiesa principale chiamata "pieve", e persone di altri paesi o città si riunivano lì portando questo tipo di processione croce che per loro era come il logo della loro comunità.

Solitamente ogni croce veniva personalizzata dall'argentiere con una rappresentazione del santo patrono, oppure con il titolare della chiesa della stessa comunità. Queste croci erano chiamate "polilobate" perché ogni braccio terminava con uno spazio in cui l'artista metteva un rilievo. Nella parte anteriore c'è il corpo di Gesù, sul braccio orizzontale la Vergine Maria e San Giovanni detto "dolenti" perché stanno ai piedi della croce fino alla morte di Gesù, e in alto Dio Creatore e Maria Maddalena a la fine.

Sulla nostra croce, nella parte anteriore qualcuno ha spostato i simboli dell'evangelista detto "Tetramorph", e infatti, sul rovescio in alto un'Aquila per San Giovanni, e in basso Angelo per San Matteo, e il Leone, e la bolla per San marzo e San Luca. Nella parte posteriore della croce, possiamo vedere la Vergine e il bambino Gesù al centro (significa che la Vergine Maria era la titolare della chiesa per la quale è stata creata questa croce processionale).

Indietro

Davanti

La croce è in legno e ricoperta da una lamina di rame dorato, e sul profilo la lamina è decorata con un elemento costituito da motivi vegetali che si dispiegano a forma di voluta.

Il Cristo sulla croce non è rigido, ma mostra un movimento di influenza gotica e il rilievo nella parte posteriore con la Vergine Maria, San Giovanni, la Maddalena e il Creatore sono dello stesso stile. Il Cristo è una fusione di rame dorato, e anche gli altri personaggi sono stati scolpiti in una lamina di rame e dorati. Anche la Vergine Maria è una fusione, come i simboli dell'evangelista, e il loro stile non sembra così gotico.

Questa croce fu probabilmente restaurata alla fine del XVI secolo, e in quel periodo qualcuno ne modificò alcuni elementi. I caratteri sul rovescio della croce, Gesù Cristo e il fioretto sulla croce sono dell'inizio del XVI secolo. Tuttavia, la Vergine Maria e il tetra morph dell'Evangelista provengono da un'altra croce ancora della fine del XVI secolo.

Ricami antichi (Ricami)

In questa parte della nostra esibizione, ci sono ricami e tessuti preziosi che vengono dalla mia collezione e che sono inerenti al culto divino. Per l'esattezza abbiamo tre veli da calice, un set con velo e borsa, un pianeta romana rosa e un pianeta con ricamo a giardino. Il termine "giardino" fa riferimento alla tipologia di ricami, che i temi e 'simmetrica, e con disegni floreali o di frutta.

La pianeta con la stola, il manipolo (piccola stola da mettere sul braccio, la borsa (posta sopra il calice con dentro la piccola tovaglietta su cui appoggiare il calice) e il velo (come dice la parola, copriva “velava” il calice dalla vista del popolo) erano i pezzi che componevano il set per la celebrazione della Santa Messa prima del Concilio Vaticano II del 1965.

Velo di Calice a giardino

Questo velo e 'quell che rimane di un paramento della fine 1800, inizi del 1900. Il ricamo e' fatto su raso di seta, e usando filo d'oro. La parte centrale rappresenta il Santissimo Sacramento come un sole raggiante. Interessante l'uso di cartoncino pressato sotto i ricami ad oro che sembrano nastri da cui si diramano fiori, e foglie in filo di seta. Lo stato di conservazione e 'perfetto

Velo di calice filo oro zecchino

Italia Centrale, forse Roma, inizi XIX secolo

Questo velo di calice e 'quello che rimane di un parato realizzato in oro zecchino e seta, molto prezioso, nel periodo chiamato stilisticamente “impero” ovvero tra la fine del 1700 e gli inizi del 1800. Il supporto del ricamo e' una seta finissima, e si puo 'vedere come il filo di oro zecchino sia stato steso con punto pieno. Interesante la frangia, anch'essa in oro e filata. Il motivo del ricamo e 'sempre di tipo vegetale, con al centro il Santissimo Sacramento come sole raggiante.

Stato di conservazione buono, tessuto molto fragile con alcuni aloni.

Velo di calice a giardino

Questo velo di calice e 'quell che rimane di un parato del 1700, probabilmente dalla Toscana. Si possono notare numerosi rattoppi, sulla seta diventata ormai fragilissima. Si possono notare chiaramente i fiori ricamati con filo di seta colorata, e il filato d'oro, che pero 'in alcuni punti e' ossidato. Il ricamo centrale, con il tema del sole raggiante e 'integro nella parte esterna, ma totalmente perso in quella interna. Lo stato di conservazione e 'precario.

Parato Rosa

Questo paramento rosa e 'degli inizi del 1800 e utilizza un raso di seta probabilmente venuto da una manifattura genovese, o veneziana. Il tessuto lavorato con filo d'oro e sete policrome e 'contornato da una stupenda bordatura in oro zecchino. Il paramento sembra nuovo da tanto lo stato di conservazione e 'stupendo.

I motivi decorativi possono richiamare molto lo stile orientale di quel periodo, infatti questi tessuti molto alla moda tra fine 1700 e fino alla fine del 1800 erano utilizzati anche per tapezzare importani stanze in palazzi nobiliari, ed avevano motivi esotici orientali.

Pianeta Giardino Sicilia

Questo splendido parato, mancante solo del velo di calice, e 'realizzato totalmente in seta finissima da una manifattura siciliana alla fine del 1700. Analizzando il motivo della decorazione si puo'notare come i ricami, a girali floreali, partano dallo stemma recante un teschio .

Sicuramente il parato era utilizzato per la celebrazione relativa al culto dei morti, probabilmente il Triduo dei Morti, e la maestosita 'dei ricami fanno supporre alla committenza forse della stessa confraternita' che curava questa celebrazione. Il parato e 'in perfetto stato di conservazione perche' durante il passato ha subito un lavoro di rinforzo dei ricami con cuciture, con filo neutro, dall'alto verso il basso, ma soprattutto per la stessa tecnica utilizzata.

Sulla parte interna di canapa, che rende rigido e indossabile il paramento, sono state stese matassine di seta, vincolate alla canapa stessa con punti di cucitura verticale, quindi a differenza degli altri ricami fatti su superficie di raso di seta, o di moir di seta , qui la superficie non e 'un tessuto unico. Sopra queste matassine, trattenute con cuciture verticali, sono stati ricamati in seta, in maniera simmetrica fiori e alcune croci.

Nella parte anteriore del parato si può notare come sia stato restaurato il ricamo che rappresenta una viola mammola. I fiori presentano un accostamento delle sete molto delicato, che sottolinea ancora di piu 'come la manifattura che ha prodotto questo paramento sia stata davvero importante. Lo stato di consevazione e 'buono, ed e' ancora in utilizzo per il Triduo di Morti di Sant'Antonio ad Hamilton.

Conversazione con padre Cucchi